"Offret" (1986). Андрей Тарковский. "Sacrificio" (1986). Andrei Tarkovsky. José J. Pulido Ramírez. Mataró (Barcelona)

"Offret" (1986). Андрей Арсеньевич Тарковский

"Sacrificio" (1986). Andrei Tarkovsky

José J. Pulido Ramírez

Mataró (Barcelona)

"Offret" (1986). Андрей Арсеньевич Тарковский

"Sacrificio" (1986). Andrei Tarkovsky

Erland Josephson (Alexander) & Tommy Kjellqvist (Gossen)

Cartel francés. "Le sacrifice"

 "Offret" (Sacrificio) (1986). Andrei Tarkovsky. Coproducción francosueca. Testimonio fílmico de todo un mito: Andrei Arsenyevich Tarkovsky (1932-1986), uno de los cineastas más importantes (e incomprendidos) de la Historia del Cine. La película concentra la historia que narra en un solo día solar (desde que se pone el Sol hasta que vuelve a salir), siguiendo una premisa aristotélica. 

"Offret" (1986). Андрей Арсеньевич Тарковский

"Sacrificio" (1986). Andrei Tarkovsky

Tommy Kjellqvist (Gossen) & Erland Josephson (Alexander) 

Plano secuencia inicial

"Offret" (1986). Андрей Арсеньевич Тарковский

"Sacrificio" (1986). Andrei Tarkovsky

Allan Edwall (Otto), Erland Josephson (Alexander) & Tommy Kjellqvist (Gossen) 

Plano secuencia inicial

 Se inicia con un plano secuencia de casi 10 minutos (el más largo rodado por Tarkovsky), que sirve de presentación. Además vemos como Alexander, el día de su cumpleaños, planta un árbol junto a su hijo de 6 años, que no puede hablar debido a una cirugía en la garganta. Mientras realiza esta acción el padre cuenta a su hijo que "... Un día un viejo monje plantó un árbol muerto y le encargó a su discípulo regarlo todos los días. Después de tres años el árbol muerto dio flores". Todo lo que sigue después es una loa al acto de fe. 

"Offret" (1986). Андрей Арсеньевич Тарковский

"Sacrificio" (1986). Andrei Tarkovsky

Erland Josephson (Alexander), Sven Wollter (Victor), Guðrún S. Gísladóttir (Maria) & Susan Fleetwood (Adelaide)

 Bajo la premisa que el protagonista debe sacrificarse en esencia, dejar familia y quemar sus propiedades para salvar al mundo de un holocausto inminente, la película se reafirma en la superación de todo tipo de trabas gracias a la fe hasta sus últimas consecuencias. 

"Offret" (1986). Андрей Арсеньевич Тарковский

"Sacrificio" (1986). Andrei Tarkovsky

Tommy Kjellqvist (Gossen), Erland Josephson (Alexander), Sven Wollter (Victor) & Susan Fleetwood (Adelaide)

 No es una película religiosa, pero sí mística. Ese "encuentro" es un acto de Amor en estado puro (y no sólo por la cópula con la criada, levitando, el primer acto del sacrificio, después de tomar conciencia y hablar con Dios, apiándose, en un plano semipicado que nos mira a nosotros, como espejo del alma) 

"Offret" (1986). Андрей Арсеньевич Тарковский

"Sacrificio" (1986). Andrei Tarkovsky

Andrei Tarkovsky (a la izquierda). Sven Nykvist (a la derecha) señalando el lugar de filmación

Set

"Offret" (1986). Андрей Арсеньевич Тарковский

"Sacrificio" (1986). Andrei Tarkovsky

El director ruso con la maqueta de la casa

Set

 La fotografía del gran Sven Nykvist (el favorito de Bergman, Woody Allen y tantos otros) resalta todo tipo de emociones. No se puede explicar esta película. Ni viéndola. Hay que "sentirla". 

Friedrich Nietzsche: "Also sprach Zarathustra. Ein Buch für Alle und Keinen"

Leipzig. 1886

"Hacia arriba: —aunque sobre mí iba sentado ese espíritu, mitad enano, mitad topo; paralítico; paralizante; dejando caer plomo en mi oído, pensamientos-gotas de plomo en mi cerebro.

“Oh Zaratustra, me susurraba burlonamente, silabeando las palabras, ¡tú piedra de la sabiduría! Te has arrojado a ti mismo hacia arriba, mas toda piedra arrojada —¡tiene que caer!

¡Oh Zaratustra, tú piedra de la sabiduría, tú piedra de honda, tú destructor de estrellas! A ti mismo te has arrojado tan alto, —mas toda piedra arrojada— ¡tiene que caer!

Condenado a ti mismo, y a tu propia lapidación: oh Zaratustra, sí, lejos has lanzado la piedra, —¡más sobre ti caerá de nuevo!”

Calló aquí el enano; y esto duró largo tiempo. Mas su silencio me oprimía; ¡y cuando se está así entre dos, se está, en verdad, más solitario que cuando se está solo!

Yo subía, subía, soñaba, pensaba,—mas todo me oprimía. Me asemejaba a un enfermo al que su terrible tormento le deja rendido, y a quien un sueño más terrible todavía vuelve a despertarle cuando acaba de dormirse.—

Pero hay algo en mí que yo llamo valor: hasta ahora éste ha matado en mí todo desaliento. Ese valor me hizo al fin detenerme y decir: “¡Enano! ¡Tú! ¡O yo!”—"

Friedrich Nietzsche: "Así habló Zarathustra. Un libro para todos y para nadie". De la visión y el enigma

 De las referencias a Nietzsche iniciales, el enano de "Así habló Zaratustra" y la filosofía sobre el ciclo de la vida y la reencarnación, llegamos a una inmolación vital y material que volverá al principio: han pasado tres años y el hijo de Alexander, después de regar ese árbol como ha hecho durante todo ese tiempo, habla por primera vez y dice: "En el principio era el verbo. ¿Por qué, papá?...". La cámara sube lentamente a las ramas del árbol y en contracampo se difumina la imagen... La floración es posible. 

"Offret" (1986). Андрей Арсеньевич Тарковский

"Sacrificio" (1986). Andrei Tarkovsky

Tommy Kjellqvist (Gossen)

 Tarkovsky dedica la película a su hijo, Andriushka, "con esperanza y confianza". Murió ese mismo año 1986 en París. En estos tiempos de coronavirus la visión (o revisión) de esta película adquiere un plus especial. Además de disfrutar de una obra maestra la implicación emocional es mayor. 

"Offret" (1986). Андрей Арсеньевич Тарковский

"Sacrificio" (1986). Andrei Tarkovsky

Andrei Tarkovsky & Tommy Kjellqvist

Set

"Offret" (1986). Андрей Арсеньевич Тарковский

"Sacrificio" (1986). Andrei Tarkovsky

El realizador ruso con foto de la casa y la maqueta

Fotografía firmada por el propio Tarkovsky

Set

 Acojamos esa esperanza y confianza que Tarkovsky dedicaba a su hijo para traspasarla a los nuestros. Todo este dolor y sacrificio tiene que servir para algo. Y, parafraseando a Cesare Pavese, cuando venga la muerte y tenga nuestros ojos, todo lo perdido ya esté en el cielo, nuestro cielo.

"Offret" (Sacrificatio) (1986). Андрей Арсеньевич Тарковский

En film av Andrei Tarkovskij

Offret

Sverige

1986

Genre: Drama

Regissör: Andrej Tarkovskij

Producent: Anna-Lena Wibom

Manus: Andrej Tarkovskij

Skådespelare: Erland Josephson, Susan Fleetwood, Valérie Mairesse med flera

Fotograf: Sven Nykvist

Klippning: Andrej Tarkovskij, Michal Leszczylowski

Produktionsbolag: Faragó Film, Stiftelsen Svenska Filminstitutet, Argos Films SA

Premiär: 9 maj 1986 (Sverige)

Speltid: 148 minuter

Land: Frankrike, Sverige

Språk: Engelska, franska, svenska

Rollista:

Erland Josephson – Alexander

Susan Fleetwood – Adelaide

Allan Edwall – Otto

Guðrún Gísladóttir – Maria

Sven Wollter – Victor

Valérie Mairesse – Julia

Filippa Franzén – Marta

Tommy Kjellqvist – Gossen

Per Källman – Ambulansförare

Tommy Nordahl – Ambulansförare

El cine y la vida. Francisco Huertas Hernández. Para "Aula de Cine". IES Las Salinas. San Fernando (Cádiz). Encargo de Estrella Millán Sanjuán

El cine y la vida

Francisco Huertas Hernández

Para "Aula de Cine". IES Las Salinas. San Fernando (Cádiz)

Encargo de Estrella Millán Sanjuán

"La Passion de Jeanne d'Arc" (1928). Carl Theodor Dreyer

Maria Falconetti (Jeanne d'Arc)

Esa mirada de Maria Falconetti supone un salto en la expresión emocional de lo inefable. El cine mudo -o mejor, silente- tuvo esa necesidad: transfigurar el rostro para suplir la palabra. La comunicación emocional directa

 Con las películas somos capaces de vivir otras vidas. Ningún arte, excepto la literatura -quizás con más fuerza, al potenciar la imaginación del lector- lo había conseguido. La música es la misma voluntad de vivir despojada de individualidad, en su misma esencia, dijo Schopenhauer. La alegría pura o el dolor quintaesenciado. Así que el cine llegó como un entretenimiento para las clases populares, y, en un principio, nadie pensó que eso fuera arte ni por asomo. Ver a los trabajadores saliendo de una fábrica, o un tren que se aproxima a los espectadores y parece que va a salir de la pantalla, eso no era algo elevado. 

"L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat" (1896). Louis Lumière

 Georges Méliès tampoco podría compararse con Jules Verne o Luciano de Samósata en el siglo II. Era ingenioso, divertido, y nada más.

"Le Voyage dans la Lune" (1902). Georges Méliès

Una imagen universal de la historia del cine: el cohete espacial que impacta en el ojo de la Luna

Pero aún el cine no ha calado en las emociones más poderosas del ser humano

 Pero el cine venía reclamando el mismo territorio anímico que el resto de las artes: la emoción. El cinematógrafo, un  aparato que proyecta imágenes fijas de manera continua sobre una pantalla creando una sensación de movimiento, podía reflejar no solo la actividad externa de los cuerpos y sus gestos, la naturaleza en su devenir y el ajetreo de lo dispuesto por los humanos en sus ciudades y sus máquinas, sino que también podía plasmar el tempo interno de los afectos.

"L'Arroseur arrosé" (1895/1896). Louis Lumière

Un regador regado. Es una metáfora del espectador que se ve a sí mismo observado desde la pantalla por los fantasmas del celuloide

 Quizás los primeros cineastas no eran conscientes de este poder, fascinados por el movimiento externo. 

"Les pyramides (vue générale)" (1897). Alexandre Promio

 Pero la vida humana es antes que sensación o intelecto, emoción. El bebé humano antes experimenta el vínculo psicosomático con la madre que desarrolla sus sentidos visual y auditivo. Nacemos ciegos pero lloramos. Y el poder de la razón requiere un penoso desarrollo de maduración sináptica y de cuantiosos estímulos externos hasta alcanzar la autoconciencia y la conciencia moral.

 En eso el cine caminó rápido. Ya no bastaba sorprender, asustar al espectador, había que conmoverlo en su más íntima raíz, en el hontanar mismo de los afectos. Aunque el melodrama de origen folletinesco literario y teatral fuera el punto de partida se hizo necesario encontrar un lenguaje visual propio. El nuevo medio podría despertar emociones en el público con la puesta en escena, con el montaje, con la angulación, y con los planos. Una imagen icónica de esto es la de Maria Falconetti como Jeanne d'Arc en el film de Carl Theodor Dreyer.

"La Passion de Jeanne d'Arc" (1928). Carl Theodor Dreyer

Maria Falconetti (Jeanne d'Arc)

Trailer

 En la búsqueda de trascender la imagen los directores, con el auxilio necesario de los actores, guionistas y resto del equipo técnico, combinaron la luz y el sonido, con diferentes aprehensiones del espacio y del movimiento. Solo la respuesta del espectador podría medir ese intento: convertir los fenómenos pasajeros espacio-temporales en pasiones del receptor. Y ya sabemos que son los procesos de identificación y proyección los que nos permiten ser afectados por lo emocional. Necesitamos ponernos en la piel del protagonista para sentir nuestra propia vida, que, en lo que dura la proyección, es la suya, la de los personajes.

 Puedo decir que en momentos graves de mi vida he sentido más gracias a las películas que habían creado una red de afectos disponibles para cuando se presentara la ocasión. ¡Cuántos de nosotros descubrimos el amor con la película "Jeremy"! Siempre el arte educó y formó nuestras pasiones. El "Werther" de Goethe enseñó una manera de amar en el romanticismo, y la poesía de Bécquer modeló un tipo de amor hecho de suspiros.

"Jeremy" (1973). Arthur Barron

 "The Hourglass song" (Lee Holdridge)

Johann Wolfgang von Goethe: "Die Leiden des jungen Werthers" (1774)

"Las penas del joven Werther". La novela del amor juvenil y desesperado que forjó el ideal del romanticismo

Ilustración

 El cine, como arte, es la escuela de las emociones. Por eso es una necesidad tan acuciante como el aire y el agua.

Francisco Huertas Hernández

Alicante. 21 de marzo de 2020

Mis 20 años - Mis 20 directores. Dani Crespo Abarca. Rubí (Barcelona)

Mis 20 años - Mis 20 directores

Dani Crespo Abarca

Rubí (Barcelona)

Sir Alfred Joseph Hitchcock (1899-1980) 

Director de cine británico. Llamado el "Mago del suspense". Un creador que supo mantener su estilo personal a pesar de trabajar para los grandes estudios de Hollywood

 Aclarar que la lista de 20 mejores directores es orientativa, hay algunos indiscutibles que tienen que estar sí o sí como Hitchcock, Dreyer, Bergman, Fellini, Lang, Tourneur, pero hay otros que no son tan indiscutibles, pero que pueden estar y si están nadie debería decir que no deberían estar. El caso es que es la lista de algunos de los 20 mejores en lo que yo llevo de vida: 20 años. Si tuviese más de 30 podría esforzarme mucho más y hacerla de otra forma, pensando más en cuáles poner y cuáles dejar. 

 Son 20 cineastas de diferentes países, épocas y que han tocado diferentes géneros pero todos tienen en común que manejan en sus más grandes películas la imagen como dioses, porque es lo fundamental del cine. Saber expresarte por imágenes y saber utilizar bien las herramientas que tienen los cineastas a su disposición que son: los encuadres, los ángulos, los movimientos de cámara, las luces, las sombras, el color, el decorado… 

 También decir que me molesta y tengo que hacerlo, haber omitido a otros cuantos que podrían estar como: TOD BROWNING, D.W. GRIFFITH, BUSTER KEATON, CHARLES CHAPLIN, JOSEF VON STERNBERG, VICTOR SJÖSTRÖM, FRANK BORZAGE, LEO McCAREY, SAMUEL FULLER, OTTO PREMINGER, ANTHONY MANN, NICHOLAS RAY, BILLY WILDER, MAURITZ STILLER, HIROSHI SHIMIZU, GUSTAV MACHATY, YASUJIRO OZU, NAGISA OSHIMA, ROBERT BRESSON, JEAN RENOIR, ROBERTO ROSSELLINI, JACK CLAYTON, JULES DASSIN, ANDREI TARKOVSKY, THEODOROS ANGELOPOULUS 

Alfred Hitchcock con la claqueta de "Psycho" (1960)

ALFRED HITCHCOCK

 ¿Qué decir del mejor director de todos los tiempos que no se haya dicho ya? Desmentir que no era el "mago del suspense", era el mago de lo que le daba la gana (palabras de Luis Aller) Era el mago de los movimientos de cámara, de los encuadres, del color, de la luz, de la imagen en sí que es la esencia del cine. Construía las películas bajo un envoltorio, como "LOS PÁJAROS" (The Birds) (1963), aparentemente una película de terror, pero si se analiza cinematográficamente tenemos un drama de frustaciones y deseos no cumplidos o "LA SOMBRA DE UNA DUDA" (Shadow of a Doubt) (1943), que argumentalmente es una cosa pero si se analizan los encuadres, los movimientos de cámara tenemos otra película. Para mí sus tres cumbres son "VERTIGO" (1958), "ENCADENADOS" (Notorious) (1946) y "PSICOSIS" (Psycho) (1960), que bien cualquiera de estas tres podría considerarse como la mejor película de la historia. Decir que probablemente haya sido el director con más obras maestras superando la decena y casi acercándose a la veintena, si es que no llega. Su etapa británica es más humana porque no hizo casi ninguna obra maestra, quizá: "ALARMA EN EL EXPRESO" (The Lady Vanishes) (1938) o "39 ESCALONES" (The 39 Steps) (1935), sus dos mejores films británicos, pero su etapa americana es increíble porque encadenó obra maestra absoluta tras obra maestra absoluta desde "LA VENTANA INDISCRETA" (Rear Window) (1954) hasta la cinta inglesa "FRENESÍ" (Frenzy) (1972). Imitado pero inimitable (palabras de Jose Maria Latorre)

Carl Theodor Dreyer (1889-1968)

Director de cine danés. Uno de los grandes genios del séptimo arte. Paul Schrader le consideró representante del "estilo trascendental" en el cine, junto a Ozu y Bresson

CARL THEODOR DREYER 

 Un filósofo que plasmaba sus pensamientos y obsesiones, la religión, la brujería, el amor. Son algunos de los temas que profundizó en su cine. Tuvo una enorme creatividad en la puesta en escena y en la puesta en cuadro. Único e irrepetible creador de obras maestras del cine de la talla de "VAMPYR" (Vampyr - Der Traum des Allan Grey) (1932), "LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO" (La Passion de Jeanne d'Arc) (1928), "DIES IRAE" (Vredens Dag) (1943), "ORDET" (1955), "GERTRUD" (1964). Desmentir lo que se decía por ahí de que prefirió cantidad a calidad, pues Dreyer quería estar rodar, pero, por cirscunstancias, no lo pudo hacer.

Friedrich Christian Anton Lang - Fritz Lang (1890-1976)

Director de cine alemán. Nacido en Viena fue uno de los más grandes genios del cine alemán en la República de Weimar. Siguió su carrera exiliado en Hollywood, pero no se adaptó bien. Retornó a Alemania donde rodó sus tres últimas películas

FRITZ LANG 

 Genio del cine al que aportó obras maestras del expresionismo alemán como "EL DOCTOR MABUSE" (Dr. Mabuse, der Spieler) (1922), "LOS NIBELUNGOS" (Die Nibelungen) (1924), "METROPOLIS" (1927), "M. EL VAMPIRO DE DÜSSELDORF" (M – Eine Stadt sucht einen Mörder) (1931). Rodó películas en la República de Weimar anterior al Tercer Reich de Hitler. Uno de los grandes del cine negro sin duda. Su etapa americana en mi opinión es mejor, aunque no por mucho, ya que ambas son tremendas tanto la alemana como la americana, en la que se encuentran obras maestras de la talla de "LA MUJER DEL CUADRO" (The Woman in the Window) (1944), "PERVERSIDAD" (Scarlet Street) (1945), "DESEOS HUMANOS" (Human Desire) (1954), "MOONFLEET" (1955) entre otras. Siempre le gustaba trabajar con varios directores de fotografía. No quería uno fijo.

Ingmar Bergman (1918-2007)

El director sueco está considerado uno de los mayores genios del cine. Destacó en el retrato psicológico y en los conflictos humanos

INGMAR BERGMAN

 El gran sueco, por delante incluso de cineastas clave de la etapa muda como Victor Sjöström y Mauritz Stiller (éste último a día de hoy tristemente olvidado) Tiene una cantidad de obras maestras enorme, desde films en puesta en cuadro y puesta en escena más experimentales como "EL SILENCIO" (Tystnaden) (1963), "LA HORA DEL LOBO" (Vargtimmen) (1968) o más clasicistas como "FRESAS SALVAJES" (Smultronstället) (1957) o "NOCHE DE CIRCO" (Gycklarnas afton) (1953), esta última una de las más olvidadas de su filmografía. Yo creo que es uno de los cineastas que mayor número de obras maestras acumuló, junto con Hitchcock y Fellini, y con Alain Resnais, el último gran genio del cine que tuvo oportunidad de rodar en siglo XXI.

Federico Fellini (1920-1993)

Director de cine italiano. Su cine generó imágenes icónicas del siglo XX. Su asociación con el compositor Nino Rota es antológica

FEDERICO FELLINI

 El gran director italiano, y eso son palabras mayores, pues la cinematografía italiana es una de las más potentes sin ningún género de dudas. En su época era muy popular hasta el punto que en una de sus muchas obras maestras, "LA DOLCE VITA" (1960) se sacó la palabra de "Paparazzi" que hoy día usamos, pero más allá de esta anécdota Fellini es un verdadero creador de imágenes y de estilo único e irrepetible. Films como "OCHO Y MEDIO" (Otto e mezzo) (1963), "SATYRICON" (1969), "AMARCORD" (1973) son únicos e irrepetibles en la historia del cine, y el mediometraje "TOBY DAMMIT" (Histoires extraordinaires / Tre passi nel delirio) (1968), es una joya del terror. Tenía en su equipo al músico Nino Rota, uno de los mejores músicos de todos los tiempos, en mi opinión, junto con Bernard Herrmann, el mejor de toda la historia del cine. También colaboró muchas veces con él, el fotógrafo Giuseppe Rotunno, otro genio.

Friedrich Wilhelm Murnau (1888-1931)

Director de cine alemán. Uno de los maestros del cine mudo. Fue contratado en Hollywood donde murió prematuramente

FRIEDRICH WILHELM MURNAU

 Un verdadero creador. Uno de los que más aportó al cine mudo y que influenció enormemente a todos los grandes cineastas posteriores, como Hitchcock. Tanto la etapa alemana como la americana está repleta de obras maestras. No rodó muchas películas, pero todas las que tiene (algunas se han perdido) son verdaderas maravillas. Sus largometrajes más celebres son "NOSFERATU" (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens) (1922), una de las cimas del cine fantástico y de terror. Y la para muchos la mejor película muda de la historia: "AMANECER" (Sunrise: A Song of Two Humans) (1927)

King Wallis Vidor (1894-1982)

Director norteamericano. Fue clave en el cine mudo

KING VIDOR

 Su nombre le pega mucho. Auténtico creador de formas y estilo. Influenció, como Murnau, a todos los grandes que coincidieron en su época y más adelante. Tiene obras maestras absolutas que siguen siendo muy recordadas como "DUELO AL SOL" (Duel in the Sun) (1946), "EL MANANTIAL" (The Fountainhead) (1949), "GUERRA Y PAZ" (War and Peace) (1956). Pero, lamentablemente, tiene obras maestras absolutas olvidadas también como "LA CALLE" (Street Scene) (1931), película única que solo se ambienta en una calle. Vidor controla los ángulos, los movimientos de cámara y los encuadres como pocos. Otra obra maestra como "EL CAMPEÓN" (The Champ) (1931) también olvidada. Y, por supuesto, tiene otras dos gemas: "Y EL MUNDO MARCHA" (The Crowd) (1928) y "EL GRAN DESFILE" (The Big Parade) (1925)

Jacques Tourneur (1904-1977)

Director franco-norteamericano. Realizó sus películas más importantes en Estados Unidos

JACQUES TOURNEUR

 En mi opinión el mejor director francés, pese a haber rodado prácticamente todo en Estados Unidos. Auténtico creador de obras maestras de todos los géneros: en el cine de terror y fantástico como "LA MUJER PANTERA" (Cat People) (1942), donde hace un uso extraordinario del sugerir sin mostrar, ya que no vemos a la pantera en todo el film. Esta película fue muy influyente. "YO ANDUVE CON UN ZOMBIE" (I Walked with a Zombie) (1943), la mejor película de zombis de la historia (y no esa mediocridad que hizo Romero en el año 68), o la inglesa "LA NOCHE DEL DEMONIO" (Night of the Demon) (1957) entre otras. En el cine negro destaca "RETORNO AL PASADO" (Out of the Past) (1947) y otras como "AL CAER LA NOCHE" (Nightfall) (1956). En los géneros del western y las aventuras también tiene maravillas como "WICHITA, CIUDAD INFERNAL" (Wichita) (1955) donde hace un uso esplendido del formato Cinemascope y "EL HALCÓN Y LA FLECHA" (The Flame and the Arrow) (1950), "MARTÍN EL GAUCHO" (Way of a Gaucho) (1952), entre otras. También tiene una comedia negra que es muy buena titulada "LA COMEDIA DE LOS HORRORES" (The Comedy of Terrors) (1963)

John Ford (1894-1973)

Director de cine norteamericano. Uno de los grandes maestros indiscutibles

JOHN FORD 

 Uno de los grandes, sin ningún género de dudas, no solo es el mejor director de western de todos los tiempos junto con Anthony Mann y Allan Dwan, lo que quedó claro en las míticas "CENTAUROS DEL DESIERTO" (The Searchers) (1956), "PASIÓN DE LOS FUERTES" (My Darling Clementine) (1946), "EL HOMBRE QUE MATÓ A LIBERTY VALANCE" (The Man who Shot Liberty Valance) (1962), sus tres mejores westerns. También tiene dramas estupendos como "QUÉ VERDE ERA MI VALLE" (How Green was my Valley) (1941), "LAS UVAS DE LA IRA" (The Grapes of Wrath) (1940). Muchos lo consideran el mejor pero yo me quedo con Alfred Hitchcock -y con otros-, pero sea como sea es un genio del cine. 

Raoul Walsh (1887-1980)

Director norteamericano. Importante en el cine mudo y el de aventuras

RAOUL WALSH

 Uno de los mejores narradores del cine, además de tener enorme creatividad en el tratamiento de la imagen. Con obras maestras en varios géneros como el western: "JUNTOS HASTA LA MUERTE" (Colorado Territory) (1949), el cine negro: "LOS VIOLENTOS AÑOS VEINTE" (The Roaring Twenties) (1939), "AL ROJO VIVO" (White Heat) (1949), y películas de aventuras notables como "EL MUNDO EN SUS MANOS" (The World in His Arms) (1952)

Douglas Sirk (1897-1987)

Director de cine alemán. Realizó casi toda su carrera en Hollywood. Es recordado por sus melodramas 

DOUGLAS SIRK

 El rey del melodrama, junto con Frank Borzage y John M. Stahl, aunque yo me quedo con Sirk. A diferencia de otros cineastas que rodaron en Alemania y Estados Unidos como Fritz Lang, F. W. Murnau o Joe May, la etapa americana de Sirk es claramente superior a su alemana. Difícil superar sus últimos años en los que firmo obras maestras como "SOLO EL CIELO LO SABE" (All That Heaven Allows) (1955), "ESCRITO SOBRE EL VIENTO" (Written on the Wind) (1956), "ÁNGELES SIN BRILLO" (The Tarnished Angels) (1957), "TIEMPO DE AMAR, TIEMPO DE MORIR" (A Time to Love and a Time to Die) (1958) o "IMITACIÓN A LA VIDA" (Imitation of Life) (1959) entre otras. El prefería tener malos guiones, así se sentía más a gusto y trabajaba mejor la puesta en escena. Dejó una frase para la historia: "Si cambias de encuadre, tienes que cambiar de idea, si no no cambies"

Luchino Visconti (1906-1976)

Director de cine y ópera italiano. Uno de los genios del cine

LUCHINO VISCONTI

 El más brillante realizador italiano después de Fellini y, probablemente, superior a otro gigante como es Rossellini. Firmó dos de las mejores películas de la historia: "EL GATOPARDO" (Il Gattopardo) (1963) y "ROCCO Y SUS HERMANOS" (Rocco e i suoi fratelli) (1960), aunque también tiene otras obras extraordinarias como "LA TIERRA TIEMBLA" (La terra trema) (1948) o "NOCHES BLANCAS" (Le notti bianche) (1957) entre otras.

溝口健二 (1898-1956)

Kenji Mizoguchi. Director de cine japonés de importancia universal. Dominó la narración, el plano secuencia y el montaje

溝口健二 - KENJI MIZOGUCHI 

 Probablemente, el mejor director japonés de la historia, aunque estando Ozu, Shimizu, Naruse y Kurosawa es complicado decidirse. Su film más recordado hoy dia es una cinta de referencia como "CUENTOS DE LA LUNA PÁLIDA" (溝口健二, Ugetsu monogotari) (1953), junto a "LA EMPERATRIZ YANG KWEI-FEI" (楊貴妃, Yōkihi) (1955), "EL INTENDENTE SANSHO" (山椒大夫, Sanshō dayū) (1954)  y una joya poco recordada hoy como es "LA SEÑORITA OYU" (お遊さま, Oyū-sama) (1951)

Max Oppenheimer - Max Ophüls (1902-1957)

Director germano-francés. Hizo películas en Alemania, Estados Unidos y Francia

MAX OPHÜLS

 Tiene una de las que yo consideraría 10 películas claves del cine: "CARTA DE UNA DESCONOCIDA" (Letter from an Unknown Woman) (1948). Rodó en varios países como Italia, Alemania, Holanda, aunque sus dos mejores etapas son la francesa con hitos como "EL PLACER" (Le Plaisir) (1952), "MADAME DE…" (Madame de...)  (1953) o "LA RONDA" (La Ronde) (1950). En Estados Unidos además de la citada tiene gemas en el cine negro como "ATRAPADOS" (Caught) (1949) o "ALMAS DESNUDAS" (The Reckless Moment) (1949) 

Александр Петрович Довженко (1894-1956)

Alexandr Petrovich Dovzhenko. Director de cine soviético ucraniano fundamental en el cine mudo

 Александр Петрович Довженко - ALEKSANDR DOVZHENKO

 Para mí el mejor cineasta soviético, por delante de Eisenstein, Kuleshov y Pudovkin. No lo puedo comparar con Tarkovsky no tienen nada que ver en el tiempo y forma, pero no sé si decir que son los dos mejores. Tenian sus películas un ritmo increíble muy propio de los soviéticos y cuenta con dos cimas del cine mudo que son "ARSENAL" (Арсенал) (1929) y "TIERRA" (Зeмля, Zemlya) (1930)

Terence Fisher (1904-1980)

Director de cine británico. Fue el realizador de las películas de terror clásicas de la Hammer Productions

TERENCE FISHER 

 El director de terror y cine fantástico referencial, ya que Tod Browning y Jacques Tourneur filmaron pocas. Cuidaba todos los detalles, sobre todo los decorados y la atmósfera malsana de sus películas. Superó a los clásicos de la Universal con su inolvidable trilogía sobre Drácula, su saga sobre Frankenstein, sus cintas sobre Hombres Lobo y  la Momia, superiores a las que hizo la Universal en los años 30, que unas eran buenas, otras regulares, pero las de Fisher son muy buenas u obras maestras. Cultivó así mismo el cine negro.

Luis Buñuel (1900-1983)

Director de cine español surrealista. Su filmografía se reparte en México, Francia y unas pocas en España

LUIS BUÑUEL

 El único español que merece estar en esta lista, si bien Berlanga, Erice, Saura, Guerín, entre otros, son estupendos cineastas. Tiene tres etapas:  española, con la que puede ser su gran obra maestra, "VIRIDIANA" (1961) o "TRISTANA" (1970); francesa, que es la más floja, aunque incluye sus obras seminales "UN PERRO ANDALUZ" (Un chien andalou) (1929) o "LA EDAD DE ORO" (L'âge d'or) (1930). Para mí sus grandes películas se encuentran en su periodo mexicano. Obras excelsas como "LOS OLVIDADOS" (1950), "EL ÁNGEL EXTERMINADOR" (1962) o "SIMÓN DEL DESIERTO" (1965) 

Alain Resnais (1922-2014)

Director francés. Destacado representante de la Nouvelle Vague

ALAIN RESNAIS 

 Creo que es el más genial director francés de los que rodaron únicamente en Francia, por delante incluso de Robert Bresson o Jean Renoir. Sorprendió a todos en su época al romper la narrativa habitual del cine, con saltos en el tiempo en películas señeras: "EL AÑO PASADO EN MARIENBAD" (L'année dernière à Marienbad) (1962) o "TE QUIERO, TE QUIERO" (Je t'aime, je t'aime) (1968), una cumbre del cine de Ciencia Ficcion junto con "Solaris" (1972) y "Stalker" (1979). Su largometraje más recordado es "HIROSHIMA MON AMOUR" (Hiroshima mon amour) (1959). Otras obras estupendas son "MURIEL" (Muriel ou le temps d'un retour) (1963), "ON CONNAÎT LA CHANSON" (On connaît la chanson) (1997) y "ASUNTOS PRIVADOS EN LUGARES PÚBLICOS" (Coeurs) (2007)

Ernst Lubitsch (1892-1947)

Director de cine germano-estadounidense. Rey de la comedia refinada

ERNST LUBITSCH

 Fue el cineasta favorito de muchos gigantes del cine. Su influencia fue enorme. Inventó lo que se llamó el estilo indirecto: sugerir en lugar de mostrar, como se aprecia en la fabulosa "UN LADRÓN EN LA ALCOBA" (Trouble in Paradise) (1932), su mejor película junto con "SER O NO SER" (To Be or Not to Be) (1942)

Orson Welles (1915-1985)

Director de cine norteamericano. Icónica figura tanto o más que su cine realizado entre Estados Unidos y Europa

ORSON WELLES 

 El cineasta maldito de Hollywood. Se cargaron su carrera porque tenía mucho que dar. Muchos problemas encontró para rodar en Europa. Algunos films no los pudo acabar y otros ni siquiera producir. Desmentir que su mejor película sea "CIUDADANO KANE" (Citizen Kane) (1941), es "EL CUARTO MANDAMIENTO" (The Magnificent Ambersons)(1942). Y esto no lo digo yo, lo dijo el mismo refiriéndose a que cómo iba a ser "Ciudadano Kane" la mejor película de la historia si ni siquiera era su mejor film ya que él consideraba "The Magnificent Ambersons" su más perfecta obra, en lo que coinciden otros estudiosos del cine como Jose María Latorre, Luis Aller o Fernando Usón.

 POSTDATA: Se me olvidó añadir a Howard Hawks (1896-1977), autor de "To Have and Have Not", "The Big Sleep", "Río Rojo", "A Song Is Born"  o "Rio Bravo".

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Comentarios de nuestros lectores:

- Francisco Huertas Hernández: "Este artículo no solo presenta una notable erudición sino que es polémico en su más íntima raíz. Dani Crespo es un sorprendente cinéfilo formado en la lectura de algunos críticos de cine que ensalzan el cine clásico y desprecian el más reciente. Su lista de 20 directores es muy valiosa aunque muy discutible. Algunas afirmaciones son más propias de la edad que de una visión sinóptica de la historia del cine. Hay un prejuicio -por otra parte no tan desencaminado- según el cual el cine es solo puesta en escena. Este dogma hace imposible disfrutar de buena parte del séptimo arte. Si entendemos que el arte es una síntesis de forma, expresión y emoción, en el esquema de Dani únicamente sobrevive la primera: la forma visual. La expresión cinematográfica asumo que comprende el guión -tan importante en la época clásica de Hollywood, o ¿qué sería de los films de Lubitsch o Wilder?-, la interpretación o la banda sonora. En cuanto a la emoción está claro que es el director y los intérpretes los que la crean, pero sin el espectador no hay recreación. Y, al fin, la recreación es la dimensión clave del receptor. El espectador re-crea las imágenes y las narraciones integrándolas en lo más profundo de su ser. Todo lo dicho vale, claro está, para el cine como arte, que es de lo que Dani habla.

 El "debe" más crítico con este artículo son las omisiones. Bien es verdad que en una "excusatio" introductoria añade otros realizadores que podrían estar... ¡¡¡sí, pero no están!!! Al margen de que tampoco puede ser que falten nombres como Truffaut, Satyajit Ray, Wyler, Huston, Vertov, Antonioni, De Sica, Kubrick, Jutsiev, Jean Vigo, Ford Coppola, Béla Tarr, Jacques Tati, Kiarostami, Chris Marker, Larisa Shepitko, Agnès Varda, Scorsese, Marcel Carné, Mankiewicz, Polanski, Erich von Stroheim, Kalatozov, Bardem, Carné...

 Aún así, bienvenida sea esta mirada juvenil a la historia del cine, con la que podremos discrepar -algunos nombres de esta lista chirrían pensando en las flagrantes ausencias- pero que se ha hecho desde la pasión y un gusto -subjetivo como todo gusto- quizás sesgado en aquella idea de que "cualquier tiempo pasado fue mejor"