sábado, 29 de febrero de 2020

Una infancia de cine. Julia Millán Sanjuán. Úbeda-Zaragoza

Una infancia de cine (bastante subjetiva)
Julia Millán Sanjuán
Ubeda (Jaén) - Zaragoza
Imágenes: Francisco Huertas Hernández



Julia Millán Sanjuán
De niña. Úbeda (Jaén)

 Me llamo Julia Millán Sanjuán y nací en Úbeda (Jaén). Allí viví hasta los 18 años. Luego me trasladé a vivir a Zaragoza para estudiar y en esta ciudad vivo desde entonces, aunque nunca he perdido el contacto, ni las raíces ubetenses.
 He buceado un poco en mi memoria para recordar qué primeras películas me dejaron una huella especial como espectadora infantil e inexperta en esos cines entonces numerosos y distintos, de mi ciudad natal, hoy desaparecidos.

Teatro Ideal Cinema
Calle Real 53
Úbeda (Jaén)
"Inaugurado el 8 de diciembre de 1926 como "Teatro Rey Alfonso". Proyecto del arquitecto Horacio Bernales. Situado el hoy "Ideal Cinema" en el centro urbano de la ciudad, con su puerta principal en la calle Real. Los medios de difusión han dado en llamarlo "Catedral del Teatro'. Clausurado para el arte el 25 de mayo de 1989 su propietario don Antero Guardia lo convirtió en una discoteca. El Ayuntamiento se sensibiliza y se opone, adquiriéndolo y rescatándolo para la cultura escénica en 1991" (https://www.facebook.com/pages/Teatro-Ideal-Cinema-de-%C3%9Abeda/174485529350960)

La familia Millán Sanjuán 
Úbeda (Jaén). 1975
De izquierda a derecha: delante: Manuela, Pilar, Julia
Detrás: Gregorio, Estrella, Anselmo

 Una de las primeras películas que vi de pequeña y que me llamó la atención de una manera distinta fue "Fantasía" de Walt Disney

"Fantasia" (1940). James Algar, Samuel Armstrong, Ford Beebe, Norman Ferguson, Jim Handley, T. Hee, Wilfred Jackson, Hamilton Luske, Bill Roberts
Película de animación de Walt Disney con muchas obras de música clásica dirigidas por Leopold Stokowski a la Orquesta de Filadelfia
Cartel español. Filmayer

 Ya había visto antes "Pinocho" o "Blancanieves", (cuya poderosa madrastra lo llenaba todo con su malvada y atractiva presencia y que me gustaba aún más que la propia Blancanieves

"Pinocchio" (1940). Norman Ferguson, T. Hee, Wilfred Jackson, Jack Kinney, Hamilton Luske, Bill Roberts, Ben Sharpsteen
"Pinocho" es una película de animación de Walt Disney basada en la obra literaria "Le avventure di Pinocchio" de Carlo Collodi
Cartel original español

 No recuerdo haber visto "Bambi", así que me ahorré el trauma de la madre muerta. En "Fantasía" todo giraba en torno a la música, a la imagen en movimiento, a los números musicales, sin ningún diálogo apenas, salvo cuando Mickey, el aprendiz de brujo, se dirigía en inglés a la orquesta. Resultaba chocante y bastante experimental porque no había ninguna trama, ni cuento, ni buenos ni malos, todo lo llenaban las piezas musicales y las coreografías animadas. Tampoco se echaban de menos esos doblajes neutros algo cursis y con acento sudamericano que el propio Walt Disney encargaba en su factoría para controlar la producción cuando se enviaba a Europa.

 Esa era la época dorada de los dibujos animados, y tanto nos gustaban, que los reyes nos trajeron un montón de libros donde explicaban los procesos de dibujo e ilustración de los personajes de Disney. Creo que ahí nació mi gusto por la imagen, o más bien por la ilustración y el dibujo. Todo se hacía a mano lo que me causaba un gran respeto por la laboriosidad del proceso para completar unas películas tan complicadas y tan largas dibujando fotograma a fotograma.

"Fantasia" (1940). Sorcerer's Apprentice. Production animation drawings of Mickey
Dibujos a mano de Mickey como aprendiz de brujo (música de Paul Dukas) para la película de Walt Disney "Fantasía"

 También me encantaba José Ramón Sánchez, el ilustrador televisivo que dibujaba en directo cosas increíbles y realizó la película "El desván de la fantasía", una versión distinta también del aprendiz de brujo.

Entrevista al dibujante José Ramón Sánchez (1936)
"Arco Iris". TVE. 1985

"El desván de la fantasía" (1978). Cruz Delgado, José Ramón Sánchez
Cartel original

"El desván de la fantasía" (1978). Cruz Delgado, José Ramón Sánchez
Película de animación española con dibujos de José Ramón Sánchez

 En el colegio de los Jesuitas, por aquella época, realizaban ciclos de cine infantil para todos los colegios, con una programación muy completa. Sacabas un carnet y acudías los sábados al enorme salón de actos de la SAFA para ver películas de todo tipo, tanto de animación como en blanco y negro, nacionales y extranjeras, etc. Si completabas las 12 películas y elegías tu favorita -redactando un resumen del argumento y las razones por las que te había gustado, además de hacer un dibujo de una escena escogida- entrabas en un sorteo y podías ganar… ¡tachán!… un viaje al Certamen Internacional de Cine de Infancia en Gijón. Yo tenía claro que quería ir, pero no sabía qué película elegir.

 El día que proyectaron "El mago de Oz" (1939) intenté seguir ese camino de baldosas amarillas, y a Judy Garland, haciendo de Dorothy y al león cobarde, al hombre de hojalata o al espantapájaros, pero creo que la película no me llamó especialmente la atención.
 No entendí casi nada y me sentí bastante decepcionada, hasta que descubrí al final ese castillo de la ciudad esmeralda, que me dejó sin palabras y era en realidad lo que andaba buscando.

"The Wizard of Oz" (1939). Victor Fleming
Los cuatro amigos se acercan al castillo de Emerald City

"The Wizard of Oz" (1939). Victor Fleming
"El mago de Oz"

 Supongo que redacté lo mejor que pude el resumen de la película y dibujé con cierto esmero aquel palacio (al día siguiente descubrí que mi madre había sombreado y retocado algunos detalles con otros tonos más vivos de verde…) El sobre fue al correo y me pasé los días dando la tabarra en casa repitiendo que me iba a Gijón
 Con 9 años ya soñaba con ese verde esmeralda del norte.
 Y me tocó. El número 4 en mi carnet (desde entonces mi número de la suerte)

XV Certamen Internacional de Cine para la Infancia y la Juventud. Gijón. 3 - 9 Julio 1977
Carta

María Luisa Seco Lumbreras
Teleprograma. Número 388. Del 10 al 16 de septiembre de 1973
Presentadora de Televisión Española especializada en el público infantil. Recordada por sus espacios "Con vosotros" (1970-1974) y "Un globo, dos globos, tres globos" (1974-1978)

 Fuimos a Madrid, a visitar Prado del Rey, sede entonces de Televisión Española, colaboradora del certamen, con la presentadora M.ª Luisa Seco como anfitriona. Era un verdadero ídolo infantil, por el popular programa "Un globo, dos globos, tres globos". Fue una experiencia maravillosa y ella se mostró encantadora ante esa caterva de niños que la rodeaban gritando todo el rato. Y a los pocos días viajamos a Gijón.
 De hecho, el ciclo se llamaba “Chicos para Gijón” y nos pasamos una semana viendo, comentando y puntuando películas españolas, latinoamericanas, checas, polacas, húngaras, rusas, nórdicas... un festín extraordinario de cine de todo tipo. Algunas de las cintas no estaban dobladas ni subtituladas, lo cual no les restaba emoción por el poder de sus narraciones en imágenes. (Con la televisión estábamos acostumbrados a los dibujos del “telón de acero” que tampoco se traducían. En casa decíamos que eran dibujos Koniec porque nos hacía gracia la palabreja final, que era fin en polaco y así las distinguíamos de los dibujos de la Warner o de Hanna Barbera)

"Bajaja" (1950). Jiří Trnka
"El príncipe Bayaya" fue un importante largometraje de animación checoslovaco. No he conseguido encontrar ninguna de aquellas series de dibujos checas, polacas, húngaras que veíamos de pequeños. Recuerdo una con sombras checa como de Simbad

 Éramos cientos de niños y jóvenes en el festival y sus primeras ediciones se celebraban en la Universidad laboral de Gijón, una especie de Escorial mastodóntico que resultaba ser una aventura en sí mismo; una especie de Hogwarts donde nos hospedábamos todos y donde podías perderte para siempre en sus laberínticas galerías y pabellones.

 No he conseguido encontrar la película ganadora, pero era una española de dibujos sobre una cometa blanca, eso sí que lo recuerdo. Era 1973.

"Mágica aventura" (1973). Cruz Delgado
Película de animación española premiada en los certámenes internacionales de Gijón, Odense, La Bourbule.
Ésta es la película que Julia recordaba como ganadora del Certamen de Cine Infantil de Gijón en 1973 al que ella asistió

 Este año el festival ha cumplido 57 ediciones, después de variar su formato y convertirse desde 1988 en el Festival Internacional de cine de Gijón (FICX) completando las categorías con cine para todas las edades. La idea primigenia fue del publicista y dibujante Isaac del Rivero, organizador desde 1963 a 1982 y autor a su vez del diseño e ilustración de los curiosos carteles del certamen de esos mismos años

VI Certamen Internacional de Cine y TV para niños
Gijón. 28-29 septiembre 1968
Cartel de Isaac del Rivero de la Llana (1931-2019), dibujante, guionista e ilustrador asturiano. "En 1963 propuso al Ayuntamiento de Gijón la creación de un certamen cinematográfico dedicado a los niños y jóvenes, que él mismo dirigió hasta 1981" (https://www.lne.es/gijon/2019/01/15/fallece-87-anos-isaac-rivero/2411071.html)

 Y luego llegó el terror. Un sábado a las 4 de la tarde acudimos mi hermana y yo con unas amigas al Teatro Principal de Úbeda (un cine modesto que fue “Casa Teatro” desaparecido y demolido en los años 80) para ver "Drácula 73", una especie de revisitación del clásico para acomodarlo a los años 70 de las melenas, los pantalones de campana y los guateques

Teatro Principal
Úbeda (Jaén)
Interior. Años 60. Fue denominado "Teatro Viejo", "Casa Teatro" o "Coliseo" con un aforo inferior a 800 personas

 Era el final de una trilogía sobre Drácula protagonizada por los mismísimos clásicos Christopher Lee como vampiro y Peter Cushing como matador de vampiros, además de un jovenzano Christopher Neame (llamado Johnny Alucard en el film), que era el encargado de traerlo de vuelta a este mundo mediante una especie de misa negra en la catacumba de una iglesia londinense

"Dracula A.D. 1972" (1972). Alan Gibson
"Drácula 72" / "Drácula 73"
Producción británica de la Hammer con los habituales Christopher Lee y Peter Cushing
Poster original

 El espectáculo del cáliz de sangre derramada sobre el escote de la joven Laura (Caroline Munro) engañada por el guaperas, el descubrimiento histérico de que Alucard era Drácula al revés -y el brazo magullado por haberme caído a una zanja antes de ir al cine y no confesarlo para no perderme la película- hicieron de esa sesión una verdadera tortura. Nunca he disfrutado demasiado las películas de vampiros, salvo "Nosferatu" mucho después o la versión de Coppola.

"A Man Called Horse" (1970). Elliot Silverstein
"Un hombre llamado caballo" fue un western crepuscular norteamericano protagonizado por Richard Harris

 Ese mismo año, el 74 creo, pero en el cine de verano Avenida, fuimos a ver otra de las películas que más me impresionaron de pequeña: "Un hombre llamado caballo" (1970) de Elliot Silverstein, una leyenda sobre la supervivencia del protagonista: un lord capturado por los sioux y su proceso de aceptación en la tribu, trabajando primero de animal de carga (de ahí lo de caballo, supongo) aunque debido a su fiero carácter termina siendo respetado por sus captores hasta permitirle ser pareja de la hermana del jefe, cumpliendo eso sí, con el ritual del “juramento al sol”. Y ahí venía lo crudo.

"A Man Called Horse" (1970). Elliot Silverstein
"Un hombre llamado caballo" fue un western crepuscular norteamericano protagonizado por Richard Harris. En este fotocromo vemos la escena icónica cuando es colgado por el pecho

 Dentro de la tienda ceremonial, Richard Harris, el protagonista, era izado unos palmos del suelo con las garras de un águila clavadas en su pecho como sujeción... “escena cumbre de la película e icónica en la historia del cine de este western crepuscular norteamericano” dice wikipedia.
 Para mí, un padecer, aunque como recompensa final terminaba siendo el jefe de la tribu y continuando su vida de héroe acomodado a la vida india en el infinito y salvaje paisaje.

"Melody" (1971). Waris Hussein
Una película inglesa de amores infantiles en el Londres en el que se acaban de separar The Beatles. Un film con música de The Bee Gees

 Y llegó el amor con "Melody" (1971). La película que más me marcó en el despertar sentimental, aunque fuera en la pantalla, allá por el 75. Estaba realizada por Waris Hussein y el guión era del mismísimo y polifacético Alan ParkerMelody estaba protagonizada por Mark Lester (Daniel Latimer) un chico sensible y algo desubicado y Tracy Hyde (Melody Perkins) una chica bastante espabilada y resuelta, acompañados por Jack Wild (Onshaw) el gamberro y descarado cómplice del protagonista, encargado de defenderlo frente a las burlas de los compañeros y colaborador necesario en la huida de esta pareja de enamorados escolares, a pesar de que Melody le robaba a su mejor amigo, el rubio querubín Daniel. Una historia de amor y de despertar a la vida entre aulas victorianas y descampados industriales de Londres. Los mayores hacían de mayores, las madres de madres, los padres de padres, algo ajenos a la vida de sus hijos y los maestros eran simplemente seres secundarios que se comportaban como tales en la trama, mostrando su flema británica, incluso cuando tocaba dar una tunda de zapatazos en el culo a un alumno o de perseguir a la pareja de protagonistas en su afán de contraer matrimonio a su edad. Mark Lester y Jack Wild ya habían compartido pantalla juntos antes en el musical "Oliver" de Carol Reed, basada en la novela de Dickens

"Melody" (1971). Waris Hussein
The Bee Gees: "Melody Fair"
"Odessa". Polydor. 1969

 Me da algo de pudor volver a ver Melody por el miedo a perder ese buen recuerdo. La banda sonora, de los Bee Gees antes de saltar a la música disco, era espléndida.

Julia Millán Sanjuán
Una juventud radiante

"Birdy" (1984). Alan Parker
Poster original

 Alan Parker realizó como director en 1984 otra de mis películas preferidas, "Birdy", una historia extraña y subjetiva, protagonizada por el genial Matthew Modine, junto con Nicholas Cage, comedido y entregado amigo fiel. Me sentí atraída y trastocada ante la historia del chico raro que quería volar como un pájaro. En vez de eso lo envían al servicio militar a Vietnam y a su vuelta termina en una institución mental, como era de esperar, si hacemos un resumen cruel, encaramado en el cabecero de la cama

Peter Gabriel: "Birdy"
Geffen Records. 1985

 La maravillosa música instrumental de Peter Gabriel acompañaba en todo momento al protagonista, a su inadaptación al mundo, a su deseo de libertad creando una atmósfera envolvente y extraña como un gran nido. Me compré el disco solo por imaginar a Birdy volar, aunque ya no era ninguna niña. O Casi.



Texto original: Julia Millán Sanjuán. 18/02/2020
Texto de las imágenes: Francisco Huertas Hernández


ENLACES INTERESANTES:

https://www.youtube.com/watch?v=ZLIcLeMIRVI

sábado, 15 de febrero de 2020

Recuerdos de cine. Años 70. La influencia del cine en mi vida. Gregorio Millán Sanjuán. Úbeda (Jaén)

Recuerdos de cine. Años 70
La influencia del cine en mi vida
Gregorio Millán Sanjuán
Úbeda (Jaén)
Imágenes: Francisco Huertas Hernández



"The Omega Man" (1971). Boris Sagal
"El último hombre vivo" / "La última esperanza"
Film post-apocalíptico. Charlton Heston (Neville) es un científico que ha sobrevivido a la desaparición de la humanidad tras una guerra bacteriológica gracias a una vacuna que ha descubierto

La familia Millán Sanjuán 
Úbeda (Jaén). 1975
De izquierda a derecha: delante: Manuela, Pilar, Julia
Detrás: Gregorio, Estrella, Anselmo

Gregorio Millán Sanjuán
En los años 70
Úbeda (Jaén)

 Prosigo, tras el artículo anterior, con las películas que más me gustaron en la década de los 70.
 Dos elementos caracterizaron esta década:

- Uno 
fue el fenómeno sociológico UFO, donde todo el mundo miraba hacia el cielo en busca de algún OVNI con el que contactar. Tuvo su reflejo en el cine con diversas películas relacionadas con dicha temática.

Erich von Däniken: "Return to the Stars. Gods from Outer Space"
Corgi Books. London. 1972
Erich Anton Paul von Däniken (1935) es un escritor suizo que se hizo famoso con sus libros sobre la influencia extraterrestre en la cultura humana primitiva. Ha sido acusado de seudo cientifico

J. J. Benítez: "Ovnis: S.O.S. a la humanidad"
Plaza y Janés Editores. Barcelona. 1976
El ufólogo español más famoso de la década de los 70 fue Juan José Benítez López (1946). Al igual que Däniken ha sido criticado por su nulo rigor científico

- El otro fue el cine catastrofista (Disaster Movies), que debió ser un género con mucho éxito en taquilla, pues dio lugar a un aluvión de películas, contemplando todos los posibles cataclismos que pudieran amenazar al ser humano, como incendios, terremotos, meteoritos, naufragios, accidentes aéreos, depredadores hambrientos, monstruos, etc.

Periodo 1970-1980

"Earthquake" (1974). Mark Robson
"Terremoto". Charlton Heston (Stewart Graff). Un terrible terremoto destruye Los Angeles
¿Por qué el género despegó en los años 70? Varios éxitos iniciales de gran presupuesto, la inquietud general de la década y un aumento en los bombardeos, secuestros y otros incidentes posiblemente proporcionaron el clima perfecto para una cadena interminable de catástrofes cinematográficas

 Entrando en la adolescencia casi una década después, más o menos a finales de los años 70. Próximo a ingresar en el Instituto de Bachillerato y ya con bastantes películas vistas, tanto en el cine, como en la televisión cinco años después, si no podíamos ir al estreno.

"The Omega Man" (1971). Boris Sagal
"El último hombre vivo" / "La última esperanza"
Poster

"The Omega Man" (1971). Boris Sagal
"El último hombre vivo" / "La última esperanza"
Film post-apocalíptico. Charlton Heston (Neville) recorre las calles de Los Angeles en un descapotable

“The Omega Man” (1971)

 Película de la que tengo el recuerdo indeleble de un señor (Charlton Heston) conduciendo un descapotable por una ciudad totalmente desierta, en la que podía disponer de todo lo que contenía, por ser el único habitante que moraba en ella, tras una guerra bacteriológica, en la que un virus liberado aniquila a toda la población mundial.
 Tuve una sensación abismal y vertiginosa imaginando que todo lo que había en el mundo me pertenecía. Yo era muy niño y se abría ante mí un inmenso panorama de bienes materiales a poseer y de absoluta libertad para ejercer a mi antojo. Era algo indescriptible, te creías invulnerable, supremo, hasta que después caí en la cuenta del vacío que me produciría la soledad, de la falta de sentido que tendría el no poder compartir toda esta abundancia con nadie.
 Quizá por esta razón, el guión contemple a otros supervivientes. Unos hostiles y otros que no lo son. Para dar un poco más de juego y tener un algo de argumento con lo que rellenar los 98 minutos de duración.

 Existen otras películas con esa temática post-apocalíptica: “El último hombre sobre la Tierra” (1964) y “Soy leyenda” (2007). En “Náufrago” también de describen los efectos que produce la absoluta soledad en una persona.

 El rodaje se hizo los domingos por la mañana, que es cuando menos actividad había en la ciudad y en este video se puede ver como se detectaron y se eliminaron elementos que pudieran evidenciar la existencia de vida y civilización.



"Duel" (1971). Steven Spielberg
"El diablo sobre ruedas" / "Duelo" / "Reto a la muerte"
Poster

"Duel" (1971). Steven Spielberg
"El diablo sobre ruedas" / "Duelo" / "Reto a la muerte"
Producción televisiva en la que Dennis Weaver (David Mann) se ve perseguido por un camión cisterna en una pesadilla en la carretera solitaria

“El diablo sobre ruedas” (1971)

 La carretera es uno de los escenarios donde más se pone de manifiesto la condición y el comportamiento humano. Muchas veces infantil e incapaz de administrar las pequeñas frustraciones a las que nos somete el tráfico. Dando lugar, en muchos casos, a “demostraciones” que provocan situaciones de riesgo totalmente evitables. El “pique” en carretera es uno de los mayores exponentes de la estupidez humana.
 Desde que vi esta película, no hay camión que adelante sin acordarme de ella, especialmente si se trata de una carretera secundaria y de doble sentido.
 Creo que fue el primer largometraje de Steven Spielberg y quizá el mejor. Resulta encomiable su capacidad para dar protagonismo e identidad a los vehículos en lugar de a las personas. Especialmente al camión, cuyo conductor no aparece en toda la película.
 Éste fue uno de los retos que tuvo que superar también la película “Cars” para captar al espectador, personificando a los protagonistas.
 Película interpretada por el actor Dennis Weaver, conocido también por la serie de televisión “McCloud”, ese policía que recorría New York a caballo y que nos ofrecía TVE semanalmente los domingos por la tarde dentro de un ciclo de series policíacas titulada “Estrenos TV”, donde alternaba con otras como el teniente Colombo, el comisario Mc Millan, Banacek o el teniente Kojak. Series que se hicieron muy populares hasta el punto de dedicarle unas sevillanas el humorista Pepe da Rosa.




"Silent Running" (1972). Douglas Trumbull
"Naves misteriosas"
Poster

"Silent Running" (1972). Douglas Trumbull
"Naves misteriosas"
Bruce Dern (Freeman Lowell). Ciencia intentando salvar la vida vegetal del planeta

 “Naves misteriosas” (1972)

 “Silent Runnig” fue su título en inglés. El que se le dio a la versión en español no fue demasiado afortunado.
 Otra película post-apocalíptica, pero con tintes conservacionistas. El planeta ha perdido la vida vegetal y lo poco que ha quedado de ella se ha puesto a salvo en tres naves espaciales botánicas enviadas a la órbita de Saturno, con la esperanza de poder regenerar la tierra y repoblarla en el futuro. El argumento tiene semejanzas con el largometraje de animación “Wall-e”.
 Estas naves disponen de unas cúpulas a modo de invernaderos donde está alojada la flora y también algo de fauna propia del bosque. Entre la tripulación destaca un botánico que se responsabiliza del cuidado y mantenimiento de la preciosa carga, realizando tales tareas con celo y dedicación (interpretado por el actor Bruce Dern, de actualidad de nuevo por la película “Remember me” de 2019).
 Un día reciben un mensaje de la tierra con la orden de destruirlo todo y regresar. La tripulación responde favorablemente al mandato, dado su deseo de volver a casa y su falta de compromiso ecológico. Todos excepto el botánico, que está dispuesto a hacer lo que sea necesario para salvar la única vida vegetal que queda de nuestro planeta, plenamente consciente de la importancia de la misión, que trasciende a las órdenes recibidas.
 Buenos efectos especiales y elaboradas maquetas de las naves para la época, pues el director Douglas Trumbull fue supervisor de dichos efectos en películas como “2001: “Odisea en el espacio” (1968) y “La amenaza de Andrómeda” (1971).
 Como curiosidad diré que los interiores de la nave se rodaron en un portaaviones que estaba en proceso de desguace y que los robots encargados del mantenimiento contenían dentro a actores sin piernas que andaban moviendo las patas con los brazos.
 A pesar de lo que me gusta el espacio, quizá lo de menos sea el trasfondo de ciencia ficción. Lo más importante de la película, es la sensibilidad conservacionista del protagonista y la tesitura en la que se ve, al recibir la orden de abandonar lo que más quiere y de lo que se siente responsable ante sí mismo y ante la humanidad.




"Everything You Always Wanted To Know About Sex (But Were Afraid To Ask)" (1972). Woody Allen
"Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo pero nunca se atrevió a preguntar"
Poster

"Everything You Always Wanted To Know About Sex (But Were Afraid To Ask)" (1972). Woody Allen
"Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo pero nunca se atrevió a preguntar"
Gene Wilder (Dr. Ross). What Is Sodomy?

"Everything You Always Wanted To Know About Sex (But Were Afraid To Ask)" (1972). Woody Allen
"Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo pero nunca se atrevió a preguntar"
Woody Allen (The Fool). Do Aphrodisiacs Work?

 “Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo, pero nunca se atrevió a preguntar” (1972)

 Película descacharrante y surrealista que pude ver bastante después de su estreno. Dirigida por un joven Woody Allen, parodia a un libro del mismo nombre, del Dr. David Reuben, recreando las siete historias de sus correspondientes capítulos. Toca todos los tabúes del sexo con sorna y con un sentido del humor muy propio del director, sin caer en lo chabacano ni en el mal gusto.
 Largometraje plagado de estrellas. La escena final recrea el interior de un hombre que va a realizar el acto sexual como si fuera una factoría, asemejando los órganos corporales a sus diferentes departamentos. El cerebro parece la sala de control del Centro Espacial de Houston, el pene la sala de máquinas de un mercante y las gónadas una fortaleza volante llena de paracaidistas.
 El propio director interpreta a un espermatozoide al que le asaltan las dudas propias del último momento, a la hora de afrontar la razón final de su existencia.



"The Godfather" (1974). Francis Ford Coppola
"El padrino"
Poster

"The Godfather" (1972). Francis Ford Coppola
"El padrino"
Marlon Brando (Vito Corleone) es el "Padrino" mafioso que protege con la misma firmeza que aniquila a sus enemigos

"The Godfather" (1972). Francis Ford Coppola
"El padrino"
Soundtrack. Música de Nino Rota
EP
Paramount Records - Gamma. México 1972

 "El padrino" (1972)

 Me referiré a ella como obra maestra, junto con sus dos secuelas El padrino II (1974) y El padrino III (1990).
 Cuando se estrenó la película no pude verla pues era un niño. Ni siquiera sabía de su existencia, salvo por su maravillosa banda sonora. Recuerdo de manera entrañable como la tarareaba mi «tata» Ani, que era mucho más que nuestra asistenta pues se convirtió en nuestra segunda madre al vivir en casa y criarnos a todos los hermanos como si fuéramos sus hijos.
 Pude verla allá por los ochenta, ya con una edad suficiente para asimilar las escenas más fuertes de violencia.
 Su comienzo me pareció muy auténtico pero un poco lento, hasta que vi una escena que me sobrecogió. Fue aquella donde el productor de Hollywood encuentra la cabeza de su mejor semental equino introducida entre las sábanas del lecho donde dormía.
 Ésta resultaba impactante dado lo inesperado y macabro de la imagen, además de por los gritos emitidos por el personaje fruto del terror (dicen que algunos directores someten a los actores a situaciones reales semejantes sin avisarles, para que sus reacciones mejoren la calidad de la interpretación), pero lo que realmente me sobrecogió fue el hecho de descubrir la contundente metodología que usaba la mafia para llevar a cabo sus fines.
 La famosa «oferta que no se podía rechazar» me dejó KO y pude comprobar que cuando buscan algo y tú se lo niegas, irán por lo que más quieres, como decía Don Vito.
 La coacción, la extorsión, el chantaje, todo amparado por un telón de fondo que no es otro que el miedo, sirve para doblegar hasta la más férrea de las voluntades.
 Pero es que, además, por la manera en que se desarrolla el desenlace tras las luchas de poder entre el productor de Hollywood y la mafia, le da a esta última un «caché» y una especie de «halo» de magnificencia y me provoca una cierta fascinación que nunca he llegado a comprender. Supongo que me dejé impresionar.
 Quizá fue por este efecto de fascinación y empatía que produce la película sobre el espectador, por lo que la mafia dejó de presionar para que ésta no se estrenara. También quiero destacar la maravillosa banda sonora compuesta por Nino Rota.
 A veces me dan ganas de hacer una maratón cinematográfica y ver las tres partes ininterrumpidamente.
 “El Honor de los Prizzi”, “Érase una vez América”, “Cotton Club”, “Muerte entre las flores”, “Uno de los nuestros”, “Casino” y la reciente “El irlandés”, fueron otras posteriores que tampoco se pueden dejar de ver.




"The Sting" (1973). George Roy Hill
"El golpe"
Poster

"The Sting" (1973). George Roy Hill
"El golpe"
Robert Redford (Johnny Kelly Hooker) & Paul Newman (Henry Shaw Gondorff). Dos simpáticos estafadores en la Gran Depresión de los años 30

“El golpe” (1973)

 Otra película magistral, que no me canso de ver por mucho que la pongan. Su estética es la de un cómic, su desarrollo el de una novela negra, con su división en capítulos y todo. Otra maravilla del cine.
 Trata sobre dos timadores que se hacen con un abultado sobre de dinero, engañando al correo que lo transporta del punto de recogida al de llegada. Como resulta que dicho dinero procede del “hampa”, son perseguidos hasta que uno de ellos es asesinado. El otro va logrando escapar, hasta que decide vengarse con la ayuda del mayor estafador del momento.
 Ambientada en los años 30 con la “Gran Depresión” como telón de fondo. La impunidad ejercida por las mafias del momento, campa a sus anchas.
 Muy buen reparto con Paul Newman y Robert Redford reunidos de nuevo tras la anterior película “Dos hombres y un destino” (1969) y con Robert Shaw interpretando al banquero mafioso objeto del timo. Actor que luego también pude ver en la película “Tiburón” haciendo el papel del cazador de tiburones, incluso lo recuerdo en otra titulada “Estoy con los hipopótamos”, una más de tantas de la saga protagonizadas por Bud Spencer y Terence Hill, donde se repartían mamporros por doquier, pero nunca moría nadie.




"El perro" (1976). Antonio Isasi-Isasmendi
Cartel

"El perro" (1976). Antonio Isasi-Isasmendi
Jason Miller (Arístides) es un preso político que huye perseguido por un perro

“El perro” (1976)

 Un 
sueño muy común, además de pavoroso, es aquel en el que nos persigue un perro fiero y echamos a correr. Cada vez nos cuesta más trabajo avanzar, notando con desesperación como el animal nos alcanza, hasta que nos despertamos de un brinco sobresaltados, justo en el momento en el que lo tenemos encima y se va a dar el ataque.
 Pues bien, con este miedo primario con el que el subconsciente pone de manifiesto nuestra vulnerabilidad, es con lo que el director de la película Antonio Isasi-Isasmendi, nos mantiene en vilo durante toda ella, con una frenética persecución de un perro a un presidiario fugado de la cárcel.
Otra persecución canina aparece en la película “La leyenda del indomable”, donde un pletórico Paul Newman se fuga de la carretera donde los presidiarios realizaban trabajos forzados y es perseguido por unos perros, hasta que los deja extenuados del esfuerzo al que los somete.



"Rocky" (1976). John G. Avildsen
Poster

"Rocky" (1976). John G. Avildsen
Sylvester Stallone (Rocky Balboa) es un boxeador italoamericano con el sueño del triunfo. La música de Bill Conti se hizo más popular que la propia película

“Rocky” (1976)

 Película 
que refleja el sueño americano a través del boxeo. Rocky, un treintañero que ejerce de matón para el capo del barrio, desde que su carrera como boxeador entrara en declive, sin haber llegado a nada por falta de motivación, a pesar de contar con buenas cualidades para dicho deporte.
Un día le llega una inesperada oportunidad, pues el combate del campeón del mundo se ve anulado por una desafortunada lesión del aspirante al título. El campeón se ve obligado a improvisar, al no encontrar otro rival a su altura en tan poco tiempo. Consulta una guía de boxeadores y elige a Rocky porque le gusta su apodo: “el potro italiano”.
La película describe muy bien el contraste entre las capas sociales de cada púgil y el afán de superación que envuelve a Rocky, muy motivado en la búsqueda de una vida mejor.
Una buena película, no pudiendo decir lo mismo de las innumerables partes que le siguieron, tras el éxito de esta primera. El nivel de calidad iba decreciendo según aumentaba el número romano que acompañaba al siguiente título.
 Exactamente lo mismo le ocurrió a otra película titulada “Acorralado” (1982), protagonizada por el mismo actor (Sylvester Stallone), que trataba sobre el abandono al que se veían abocados los excombatientes de la guerra del Vietnam, por parte de una sociedad que se mostraba así de desagradecida, tras haberlo dado todo por su patria. Esta primera parte estuvo bien, pero las siguientes tituladas Rambo 1, 2, 3… fueron abominablemente malas y violentas.
Recuerdo por entonces un combate de boxeo de final para los pesos pesados, disputada por el campeón del mundo de entonces Cassius Clay (Muhammad Ali) y el aspirante Alfredo Evangelista, donde este último intentó emular la historia del protagonista.



"Close Encounters of the Third Kind" (1977). Steven Spielberg
"Encuentros en la tercera fase" / "Encuentros cercanos del tercer tipo"
Poster

"Close Encounters of the Third Kind" (1977). Steven Spielberg
"Encuentros en la tercera fase" / "Encuentros cercanos del tercer tipo"
Los O.V.N.I.s llegaron al cine en la década de la paranoia de los avistamientos. Hoy casi nadie habla de OVNIS

“Encuentros en la tercera fase” (1977)

 Esta 
película representó el culmen del fenómeno UFO, que tanto furor creó en la década de los 70, donde todo el mundo buscaba “ovnis” por doquier.
 Un astrónomo llamado Josef Allen Hynek, clasificó los posibles contactos con seres extraterrestres en tres grados o fases, para así intentar no entrar en pánico ni caer en lo supersticioso si se producía a uno de ellos:
 1ª Fase: aquella en un simple avistamiento de un objeto volador no identificado (OVNI) no humano o de luces con movimientos inexplicables.
 2ª Fase: además de un avistamiento, encontramos pruebas de su existencia, como círculos en cosechas, daños en el terreno, animales asustados y demás evidencias.
 3ª Fase: se trataría de encontrar una nave espacial junto a seres alienígenas a su alrededor.
 Recuerdo salir del cine emocionado y con la agradable sensación de recuperar la esperanza en el ser humano, a causa del contacto con estos seres.
 Una escena que se me quedó grabada fue aquella en la que el protagonista (Richard Dreyfuss) se detiene con su camioneta ante un paso a nivel, para consultar el mapa de carreteras. Mientras lo hacía, aparecen unas luces por detrás que se detienen tras él, éste les indica con el brazo que le pasen y las luces del vehículo, en lugar de desplazarse hacia su izquierda para rebasarlo, tal y como indica la normativa de tráfico, se elevan y se disponen a hacerlo por arriba.
 Así era como el director Steven Spielberg te dejaba patidifuso, más aún con la psicosis alienígena que imperaba en esa década.
 Otro recuerdo indeleble fue esa formación geológica llamada “Torre del Diablo”. Una boca de magma que afloró del interior de la tierra en una zona de materiales blandos sedimentarios. Millones de años de erosión eliminaron los sedimentos, dejando a la vista la dura roca magmática, la cual quedó con esa forma al aguantar mucho mejor el desgaste.





"Alien" (1979). Ridley Scott
"Alien: el octavo pasajero"
Poster

"Alien" (1979). Ridley Scott
"Alien: el octavo pasajero"
Sigourney Weaver (Ellen Ripley), suboficial y piloto de una nave espacial que se enfrentará con criaturas alienígenas

“Alien: el octavo pasajero” (1979)

 La 
Escala de Kardashov (astrofísico ruso) clasifica las civilizaciones en tres niveles de desarrollo tecnológico, cantidad de energía que usa del medio y grado de colonización del espacio alcanzado:
 Tipo 1.- Aquellas que han sido capaces de dominar los recursos de su planeta, Esta sería en la que nos encontramos, o aspiramos a hacerlo.
 Tipo 2.- Las que dominan los recursos de su sistema planetario. Yo creía que la película “Alien”, de la que voy a hablar, se daba en esta etapa, pero indagando más he leído que los acontecimientos ocurren en otro sistema vecino.
 Tipo 3.- Las que dominan los de su galaxia. Este nivel se daría en “La guerra de las galaxias”, película de aventuras donde saltan a “velocidad luz” para desplazarse. Velocidad más que insuficiente dadas las dimensiones de una galaxia. La nuestra, por ejemplo, tiene un diámetro de 100.000 años luz. Habría que utilizar los teóricos “agujeros de gusano” para buscar atajos, tal y como se describe en la reciente “Interestelar”, u otros medios por descubrir.
 Alien es una película de terror, donde la tripulación de una nave que transporta mineral llamada “Nostromo” es despertada de su hibernación por el ordenador central, a raíz de captar una transmisión de origen desconocido, proveniente de un planeta cercano. Todo se hace según el protocolo existente para estos casos. 
 Deben dirigirse al planeta e investigar el origen de la señal. Tras varios sucesos, se da lugar a que un ser desconocido que allí se encontraba, pueda acceder al interior de la nave y siembre el caos.
 Es la primera película que recuerdo en la que la protagonista es una mujer, la teniente Ripley, interpretada por Sigourney Weaver. Su personaje se manifiesta como el único miembro de la tripulación con la suficiente entereza y potencial, como para afrontar una situación sin precedentes. Incluso diría que trasciende a la película y desafía a los roles de género establecidos hasta entonces en el cine y en la sociedad, lo que le da mucho más valor.




 Sobre el cine catastrofista, diré que tuvo un gran auge en esta década de los 70, quizá por el miedo provocado por la amenaza nuclear que venía de la década anterior y que ya se vio reflejada en la película “¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú”, prolongándose hasta bien entrada la de los 80, donde también trató dicha amenaza la de “Juegos de guerra”.

 O quizá fue porque la industria del cine pudo comprobar que el miedo y el morbo tenían audiencia entre el público de entonces, por lo que este género invadió la gran pantalla con cataclismos naturales, accidentes aéreos, monstruos, incendios y demás, a través de superproducciones como “Terremoto”, “El Coloso en llamas”, “Aeropuerto 70”, 75, 77... “King Kong”, “Tiburón”, “Piraña”, “Meteoro”, etc.
 Desde que vi “Tiburón”, ya no me baño en el mar de la misma forma, pues Steven Spielberg puso de manifiesto nuestras aprensiones, mostrándonos en la gran pantalla que una persona en el agua es una “presa” susceptible de ser cazada y devorada por la fauna marina.


 La verdad es que este género nunca se fue del todo, apareciendo otras como “Deep Impact”, “Armagedon”, “Titanic”, llegando al paroxismo catastrofista en “2012” y en “San Andreas”
 El caso es que, en todas ellas, te tienes que tragar un melodrama infumable, morboso y relleno de tópicos, para ver la escena final del cataclismo, que es lo que has ido a ver, en definitiva. Ahí van unos ejemplos:




 Y con esto doy por terminados mis recuerdos cinematográficos de la década de los 70. Quiero mencionar dos maravillosas series de televisión que me gustaban mucho y no dejaba de ver

"El hombre y la Tierra" (1974-1981). Félix Rodríguez de la Fuente
Serie de TVE de naturaleza que tuvo un inmenso éxito

"El hombre y la Tierra" (1974-1981). Félix Rodríguez de la Fuente
"Serie venezolana". "Operación anaconda"
TVE
La anaconda fue famosa por haber puesto en peligro al equipo de producción

 "El hombre y la Tierra". Serie documental sobre naturaleza dirigida por el naturalista y divulgador Félix Rodríguez de la Fuente, que creó una conciencia ecológica en nuestro país sin precedentes, además de un gran reconocimiento internacional.


"The Undersea World of Jacques Cousteau" (1966). Jacques-Yves Cousteau (Creador), Philippe Cousteau, Patrick Watson, Joe Thompson
"Mundo submarino"

 "Mundo submarino". Serie documental del oceanógrafo de Jacques Cousteau, donde recorre el mundo a bordo de su barco “Calypso” y nos muestra las maravillas de la vida en los océanos, esos grandes desconocidos


 Me vienen a la memoria unas impresionantes imágenes de un buque arrojando bidones con residuos nucleares al océano Atlántico, mientras ecologistas en lanchas neumáticas de Greenpeace intentaban impedirlo.

Con esto, doy por concluida la década de los 70. Seguiré más adelante con las siguientes conforme vaya pudiendo elaborar nuevos artículos. Saludos.

Gregorio Millán Sanjuán